Estas canciones pueden ser pegajosas… pero también ofensivas
Poner letras a la música puede llegar a la inmortalidad. Desafortunadamente, no todos los sentimientos expresados en canciones merecen vivir para siempre.
El racismo sistemático has sido conocido por trabajar en la música, a través de la letra que promueve estereotipos raciales no favorecedores y sostienen los ideales de la supremacía blanca al brindar características negativas a negros, latinos, musulmanes, nativos americanos, y varios otros grupos históricamente marginados.
En evaluar la capacidad de ofender de una canción, es importante diferenciar entre referencia cultural neutral (el hit de 1980 de The Bangles “Walk Like an Egyptian,” y un guiño a las poses majestuosos en el arte mitológico egipcio, no egipcios vivos) y devaluación cultural forjada por el racismo.
Existe mucho de lo segundo, y podría estar sonando en una radio cerca de ti ahora mismo. Aquí hay algunos ofensores populares que podrías no haber notado que son problemáticos.
Algunas cosas merecen que no se cante sobre ello, como la esclavitud, especialmente cuando la canción utiliza imágenes de flagelación mientras intenta demostrar el valor sexual de las mujeres negras. Y aún así, eso es precisamente lo que Mick Jagger hizo en el éxito de 1971 de The Rolling Stones “Brown Sugar.”
El título ya era lo suficientemente ofensivo, pero en el primer verso, y Jagger viaja atrás a la plantación para observar a los dueños de los esclavos quienes solían hacer que doliera tan bien a medida que canta, “Escúchalo flagelar a la mujer justo sobre la media noche”.
“Parece algo sacado de una película de terror distópica o un cuento de maldad del siglo XIX”, escribió el productor musical Ian Brennan en The Chicago Tribune en 2019. “Para cualquiera que siga siendo un apologista para ‘la mejor banda de ‘rock ‘n’ roll en el mundo,’ te reto a que les recites la letra de ‘Brown Sugar’ en su totalidad en voz alta y libre de ironías ante un grupo diverso de extraños. Hazlo, te reto”.
Esta no es una canción de amor ordinaria, pero entonces, pocos esperarían algo normal de un éxito escrito por David Bowie e Iggy Pop. El video para el single de 1983, donde aparecía Bowie y el objeto de su afecto desnuda en una playa al final, fue censurado para la televisión.
Pero el aspecto más objetable de la canción acerca de un romance interracial es la referencia casual al privilegio blanco y colonialismo en la línea sobre tropezar “en el pueblo como una vaca asustada, visiones de esvásticas en mi cabeza, planea para todos”, tanto como la que dice, “te daré televisión te daré ojos de azul te daré un hombre que quiere gobernar el mundo”.
Esto no significa necesariamente que Bowie, quien estuvo casado con la supermodelo somalí Iman por casi un cuarto de siglo, era racista. Como sea, incluso si “China Girl”, como Iggy Pop habría sugerido, era una metáfora para la heroína, probablemente debió haber optado por una letra impoluta de imágenes coloniales.
Este éxito del Top 10 de 1962 por el hombre que ganaría un número uno global 12 años más tarde con “The Streak” una nueva canción llena de estereotipos sobre las personas árabes. Stevens incluso pronuncia “árabe” de manera que rime con “ahab”, dándole un aire distintivo de campesino.
“La pronunciación de árabe como ‘A-rab’ es derogatorio”, Faris Bouhafa, portavoz para el Comité Antidiscriminatorio de los Árabes-Americanos, contó a The Washington Post en 1987.
“Los árabes responden a esa pronunciación de la misma manera que los negros responden a la palabra con N”. En la canción, un “jeque de la arena ardiente” quién “usó un enorme viejo turbante envuelto alrededor de su cabeza” y “saltaba en su camello llamado Clyde” para una cita secreta con “Fátima de los Siete Velos, la mejor bailarina de Estados Unidos en todo el harén del Sultán, porque, heh, él y ella tenían una cosa sucediendo”.
La historia se vuelve aún más tonta, y podría haber sido graciosa si la mayor parte de su humor no estuviera dirigida a la cultura árabe, quien, francamente, no ha recibido respeto abrumador en el oeste, por decir poco.
Se suponía que este single de 1984 iba a ser cómico, pero el hecho de que exista del todo prueba que menospreciar mexicanos ha sido un tema americano durante décadas.
La canción y video tocan casi todos los estereotipos mexicanos, como una lista, en el espacio de cuatro minutos y medio: ebriedad, panchos, flojera, trompetas de mariachi, grandes bigotes, engaño, sombreros y tonterías en español no esenciales.
“También está cantada por Phil Collins en un acento mexicano. ¡Ay caramba!” escribió Steven Hyden para el A.V. Club en el 2008. No es de extrañar, como Hyden sugirió, la radio de rock clásico rara vez tocaría el éxito en estos tiempos más políticamente conscientes. Si tienes hijos, es una buena idea abordar estos asuntos.
Advertencia: si eres blanco y quieres escribir y cantar una canción sobre un hombre jamaicano que se enamora de un travesti jamaicano y quiere rescatarlo de la ciudad de Nueva York, no te refieras a Nueva York como un “mundo de hombres blancos”. Y hagas lo que hagas, no lo cantes usando una gramática terrible (“El chico negro te quiere en su mundo isleño”) para transmitir que la historia trata sobre dos personas que no son blancas.
“Las inflexiones caribeñas falsas, tanto orales como instrumentales… implican un racismo ingenuo desmentido por la crueldad impasible pero sabia de la conclusión de la letra, es decir, lo ‘inapropiado’ de la música finalmente elabora la ironía de la canción”, dijo el crítico de rock Robert Christgau.
Michael E. Cormier fue menos diplomático en el sitio web Am I Right: “Esta canción huele a racismo. Un poco te hace preguntarte si el letrista de Elton, Bernie Taupin, tenía problemas raciales sin resolver cuando escribió la letra de esta canción”.
Este clásico de 1969 tiene un linaje muy progresivo. Fue escrito por Robbie Robertson, un canadiense, y originalmente publicada por su grupo The Band en su segundo álbum. En 1971, la leyenda de folk Joan Baez grabó una versión que fue el número tres en los mejores 100 de Billboard.
A pesar de las asociaciones progresivas de la canción, está llena de simpatía confederada. Una narrativa en primera persona de un sureño, romantizando el sur pro esclavista en la misma forma que hacen las hijas de la confederación y la canción “Dixie”, hilando a los “rebeldes” de la Guerra Civil como víctimas Yankees.
En la agonía de la derrota cuenta el narrador, Virgil Caine, que su hermano “orgulloso y valiente” de 18 años “tomó una posición rebelde” y perdió su vida, dice, “Pero nunca debieron haber tomado la mejor parte”. Es orgullo sureño empapado en patetismo nostálgico.
“Las personas (en el sur) toman esa canción como su himno”, el cantante y letrista de Alabama, Early James recientemente contó a Rolling Stone: “Cuando las personas tenían canciones como tono de llamada, recuerdo que esa era la numero uno”, continuó, añadiendo, “No tenían idea de que era canadiense. Si lo hubieran sabido, ¡lo habrían odiado! Las personas son muy ignorantes”.
El éxito de 1991 celebrando la caída del comunismo rechazó la continua lucha negra en esa época: “Una mujer en la radio habló sobre la revolución cuando ya la había pasado” y “vi la decadencia dentro, cuando parecía que el mundo podría cambiar en un abrir y cerrar de ojos, y si hay algo está tu señal de los tiempos”.
La primera línea fue un ataque a Tracy Chapman, quien había lanzado “Talkin’ Bout a Revolution” tres años atrás, mientras que la segunda refería a un éxito de Prince de 1987.
“Quería escribir una especie de signo actualizado pero positivo ‘The Times’ para reflejar lo que estaba sucediendo”, dijo el cantante y compositor de Jesus Jones Mike Edwards a The Guardian en 2018. Bien. Pero, ¿realmente tuvo que ignorar las poderosas declaraciones musicales sobre la privación racial de dos artistas negros para hacer su punto?
Esto resume bastante bien por qué el mes de la historia afroamericana no debería ser un solo mes.
El himno nacional americano es más largo que la versión que escuchamos en eventos de deporte como el Super Bowl. Escrito en 1814 por Francis Scott Key, un dueño de esclavos, como el poema “Defence of Fort M’Henry”, incluía la siguiente línea: “Ningún refugio podía salvar al mercenario y esclavo del terror de la lucha o la tristeza de la tumba”.
Sí, la canción que fue escrita para reconocer el poder de el ejército de Estados Unidos durante la guerra de 1812 también reforzaba el poder de las personas blancas sobre las negras en los días de esclavitud. Imagina a Lady Gaga o Demi Lovato cantando esa parte en el Súper Bowl.
“También está la frase ‘la tierra de los libres’”, Jameelah Nasheed escribió en Teen Vogue. “Key escribió el poema que eventualmente se convertiría en el himno nacional en 1814, durante una época donde los americanos negros no eran libres; la esclavitud terminó en 1865, haciendo incluso más claro que este himno se escribió para celebrar la tierra de los libres—los americanos blancos”.
El título de este single de 1980 hace una cierta pregunta: Si uno no nace japonés, ¿cómo exactamente uno se vuelve japonés? “Tristemente, el refrán de ‘volverse japonés’ no se refiere al cantante David Fenton estudiando el antiguo sistema de escritura Kanji, adoptando el budismo o dominando un reverendo arte marcial”, Alex Hoban escribió en The Guardian en 2008. En vez de eso, aparentemente se refiere a un momento muy privado en el dormitorio durante el cual un hombre podría “apretar (sus) ojos y volverse Japonés”.
Básicamente, el único éxito de la banda británica blanca en los Estados Unidos es sobre un hombre blanco usando un juego de palabras que refleja lo que ve como la apariencia física de personas que no son blancas y, como Hoban lo pone, empareja el racismo con un “ritmo funky de rock”.
Es un estándar de pop que ha sido grabado por artistas tanto negros como blancos, incluyendo a Frank Sinatra, Stevie Wonder, The Supremes y Willy Nelson, así que ¿cuál es el problema?
Bueno, para empezar, la línea ”Ha nacido un oscurito/Pero él no es bueno/Sin una canción”, que era la letra original escrita por Billy Rose y Edward Eliscu y cantado por Nelson Eddy, Lawrence Tibbett, y otros.
Que una canción con orígenes tan racistas haya sido aceptada como parte integral de nuestra vernácula musical y que el The Great American Songbook ilustra como se construye el racismo no solo en estructuras americanas sino en su entretenimiento también.
Además, describe precisamente una cultura en donde las personas negras son valuadas mayormente por su valor de entretenimiento, como si destacar en la ciencia y ser académico estuviera lejos de su alcance.
Para su crédito, tras grabarla con su letra original, Sinatra cambió “oscurito” a “hombre” que es afortunadamente la versión de la canción con la que estamos más familiarizados por un sinfín de versiones que existen hoy en día.
El mundo era un lugar diferente cuando esta canción salió en 1969, pero considerando la historia de la subyugación nativa americana en las manos de los americanos blancos, Loretta Lynn debió haber considerado una metáfora extendida distinta para describir su revolución doméstica.
Ya es lo suficientemente malo que esté vestida como una mujer nativa americana en la portada del single, pero sus referencias cursis a los tipis, niños nativos americanos y un baile de guerra trivializan una cultura que ha sido apropiada desde hace mucho pero rara vez respetada en los Estados Unidos.
Después, éxitos de Cher (“Half-Breed”) y Tim McGraw (“Indian Outlaw”) saquearon más la cultura nativa americana para beneficio blanco. “Son caricaturas, símbolos de la narrativa europea-americana que ignora el genocidio, enfermedades y devastación cultural traída a nuestras comunidades, el editor de Indian Country Today Mark Trahant escribió de la cooptación de las imágenes nativo americanas en un artículo en National Geographic en el 2018.
Tomado de rd.com 11 Popular Songs You Didn’t Realize Are Actually Racist
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